L’enseignement du dessin repose depuis la Renaissance sur une conception hiérarchisée des apprentissages. Étude de la perspective, dessin d’après les œuvres réputées des grands maîtres puis dessin d’après nature, le jeune artiste assimile ainsi
progressivement l’échelle des proportions et exerce son œil sur des modèles considérés comme exemplaires. Les artistes du XIXe siècle, qu’ils soient peintres, sculpteurs ou architectes, ont bénéficié d’une formation académique dont la rigueur en a fait sans conteste d’excellents dessinateurs, capables de traduire fidèlement l’apparence des choses, quel que soit le médium considéré.

Ce cycle propose un parcours dans l’art de la seconde moitié du XIXe siècle sous un double prisme : découvrir la diversité des techniques graphiques regroupées sous le terme dessin et s’interroger sur la fonction attribuée au dessin selon la discipline artistique considérée. Comment regarder un dessin de peintre, un dessin d’architecte, un dessin de sculpteur ? Faut-il s’attacher à des exigences de dextérité technique ? À des exigences de spontanéité ? Quelles sont les caractéristiques des dessins impressionnistes ? Quelle place occupe le dessin dans l’œuvre de Renoir, dans son processus créatif ? Quel équivalent graphique trouver aux recherches de division de la touche des pointillistes ? La diversité des approches proposées et des artistes abordés reflète l’intense créativité de la période considérée.